- ต้นกำเนิดและประวัติของโรงละครคืออะไร?
- ที่มาของโรงละครกรีก
- ที่มาของโรงละครที่ไม่ใช่ตะวันตก
- ละครพิธีกรรมและโรงละครยุคกลาง
- การออกดอกของโรงละครญี่ปุ่น
- โรงละครเรอเนสซองส์และคอมมีเดียเดลอาร์เต
- ทางเข้าสู่ความทันสมัย
- ศตวรรษที่ 20 และร่วมสมัย
เราอธิบายที่มาและประวัติของโรงละครในส่วนต่างๆ ของโลก ตั้งแต่สมัยโบราณจนถึงปัจจุบัน
ต้นกำเนิดและประวัติของโรงละครคืออะไร?
ดิ โรงภาพยนตร์, ประเภทศิลปะที่ วรรณกรรม (ละคร) และ ศิลปะการแสดง (การแสดงละคร) เป็นหนึ่งในรูปแบบการแสดงออกทางศิลปะที่เก่าแก่ที่สุดในประวัติศาสตร์ มนุษยชาติ.
แม้ว่าต้นกำเนิดมักจะย้อนกลับไปที่ สมัยโบราณ คลาสสิกของตะวันตก ความจริงก็คือเกือบทั้งหมด วัฒนธรรมโบราณ พวกเขามีรูปแบบการแสดงละครหรือการแสดงที่คล้ายคลึงกันมากซึ่งพวกเขาได้ให้การศึกษาแก่เยาวชนของตนแล้วอธิษฐานต่อ พระเจ้า หรือจำ .ของพวกเขา ตำนาน พื้นฐาน
อย่างไรก็ตาม คนแรกที่เข้าใจโรงละครว่าเป็นศิลปะในตัวเอง นั่นคือในฐานะ "ศิลปะการละคร" คือชาวกรีกโบราณในศตวรรษที่ 6 ถึง 4 ก่อนคริสต์ศักราช ค.
ชาวกรีกโบราณเฉลิมฉลองบางอย่าง พิธีกรรม ศาสนาเพื่อเป็นเกียรติแก่ Dionysus เทพเจ้าแห่งไวน์และความอุดมสมบูรณ์ที่เรียกว่า bacchanalia ในสิ่งเหล่านี้ พิธีกรรม ที่ เต้นรำ และสภาพภวังค์เป็นเรื่องปกติ แต่ยังเป็นการเล่าเรื่องและการแสดงละครของตำนานการก่อตั้งและหลังคือสิ่งที่ก่อให้เกิดโรงละคร
ที่มาของโรงละครกรีก
มันเกิดขึ้นในศตวรรษที่ 6 ก่อนคริสต์ศักราช C. ขอบคุณนักบวชแห่ง Dionysus ชื่อ Thespis ผู้แนะนำการปรับเปลี่ยนพิธีกรรมที่สำคัญ: บทสนทนา ซึ่งพระองค์ทรงจัดขึ้นร่วมกับคณะนักร้องประสานเสียงในแต่ละเทศกาล
ดังนั้น Thespis จึงกลายเป็นนักแสดงละครเวทีคนแรก ในความเป็นจริงตามพงศาวดารของศตวรรษที่ 3 ก. C. Thespis เองเป็นผู้ชนะการแข่งขันการแสดงละครครั้งแรกในกรีซ ซึ่งจัดขึ้นที่กรุงเอเธนส์เมื่อ 534 ปีก่อนคริสตกาล ค.
จากนั้นเป็นต้นมา การแสดงละครก็กลายเป็นเรื่องปกติธรรมดาในงานเทศกาลต่างๆ เพื่อเป็นเกียรติแก่ไดโอนิซุส ซึ่งกินเวลาสี่วันเต็มและใช้โครงสร้างไม้ที่แบ่งเป็นส่วนๆ สำหรับวงออเคสตรา ผู้ชม และเวทีรอบรูปปั้นไดโอนิซุส
ตลอดศตวรรษที่ 5 และ 4 ก่อนคริสต์ศักราช ค. โรงละครกรีกเจริญรุ่งเรืองและเป็นอิสระจาก สักการะ เคร่งศาสนา. อย่างไรก็ตาม ยังคงเป็นกลไกของสังคมกรีกในการให้ความรู้แก่คนหนุ่มสาวใน ศาสนา, ที่ ตำนาน และค่านิยมพลเมืองคลาสสิก
ในเวลานั้น นักเขียนบทละครชาวกรีกผู้ยิ่งใหญ่สามคนได้ปรากฏตัวขึ้น: เอสคิลุส (525-456 ปีก่อนคริสตกาล), โซโฟคลีส (496-406 ปีก่อนคริสตกาล) และยูริพิดิส (484-406 ปีก่อนคริสตกาล) ผู้เขียนบทละครโศกนาฏกรรมมากมายที่กล่าวถึงตำนานอันยิ่งใหญ่ของกรีก นักแสดงตลกชาวกรีกผู้ยิ่งใหญ่ เช่น อริสโตเฟน (444-385 ปีก่อนคริสตกาล) ได้เพิ่มจำนวนขึ้นพร้อมกับพวกเขา
โรงละครมีความสำคัญในวัฒนธรรมกรีกมากจนนักปรัชญาอริสโตเติล (384-322 ปีก่อนคริสตกาล) ได้รับแรงบันดาลใจจากพวกเขาให้เขียนบทความแรกเกี่ยวกับนาฏศิลป์ในประวัติศาสตร์ของมนุษยชาติ: บทกวี ตั้งแต่ 335 ปีก่อนคริสตกาล ค.
ในทำนองเดียวกัน มันสำคัญมากสำหรับภูมิภาคเมดิเตอร์เรเนียนในสมัยนั้น ที่วัฒนธรรมโรมันใช้เป็นแบบอย่างและแรงบันดาลใจในการพัฒนาโรงละครของตนเองระหว่างศตวรรษที่ 2 และ 3 ก่อนคริสตกาล C. นี่คือลักษณะที่ผู้เขียนที่มีชื่อเสียงเช่น Plautus (254-184 ปีก่อนคริสตกาล) และ Terence (185-159 ปีก่อนคริสตกาล) เกิดขึ้นซึ่งมี การเล่น พวกเขาเป็นส่วนหนึ่งของงานที่ยิ่งใหญ่กว่ามากในวัฒนธรรมโรมัน: เกมโรมันเพื่อเป็นเกียรติแก่เหล่าทวยเทพ
ชาวโรมันยังได้รวมเอามรดกการละครของกรีกเข้าไว้ในวัฒนธรรมของพวกเขาโดยรักษาไว้เป็นภาษาละตินสำหรับผู้อ่านในภายหลัง
ที่มาของโรงละครที่ไม่ใช่ตะวันตก
ในสมัยโบราณยังมีประเพณีการละครมากมายในภาคตะวันออกของโลก โดยเฉพาะอย่างยิ่งในวัฒนธรรมโบราณของอินเดีย โรงละครของอินเดียเติบโตขึ้นจากการเต้นรำทางศาสนาและพิธีกรรม
โรงละครแห่งนี้ได้รับการศึกษาอย่างเป็นทางการในช่วงศตวรรษที่ 4 และ 2 ก่อนคริสตกาลค. ตัดสินโดยสิ่งที่ Natia-shastraตำราฮินดูโบราณเกี่ยวกับการเต้นรำ เพลง และละคร ประกอบกับนักดนตรี Bharata Muni (วันที่ไม่แน่นอน) งานนี้ศึกษาโดยเฉพาะอย่างยิ่งโรงละครคลาสสิกของอินเดียซึ่งเป็นจุดสูงสุดของวรรณคดีสันสกฤต
ในลักษณะนี้ ละคร ตัวเลขโปรเฟสเซอร์มากปรากฏเป็นฮีโร่ (นายากะ) นางเอก (นายิกา) หรือตัวตลก (วิฑูซากะ) ท่ามกลางเรื่องราวในตำนานและศาสนาเกี่ยวกับที่มาของเหล่าทวยเทพ การแสดงเป็นมากกว่าการเต้นรำและบทสนทนาของนักแสดง ที่แต่งตัวและแต่งขึ้น แต่ไม่มีเวทีหรือการตกแต่ง
โรงละครอินเดียได้รับการฝึกฝนเกือบจะไม่มีหยุดชะงักหรือเปลี่ยนแปลงมาเป็นเวลานาน โดยถึงจุดสูงสุดระหว่างศตวรรษที่ 3 และ 5 นักเขียนบทละครที่ยิ่งใหญ่สองคนของประเพณีนี้คือ Sudraka (คริสตศตวรรษที่ 3) และ Kalidasa (ศตวรรษที่ 4-5) ผู้เขียนบทละครรักอันยิ่งใหญ่
ประเพณีที่สำคัญอีกประการหนึ่งที่ไม่ใช่แบบตะวันตก คือ โรงละครแห่งประเทศจีน ซึ่งมีต้นกำเนิดราวศตวรรษที่ 6 ก่อนคริสตกาล ค. ส่วนใหญ่ประกอบด้วยการเต้นรำ กายกรรม ละครใบ้ และพิธีกรรมโดยไม่มีประเภทที่กำหนดไว้
นักแสดงชายทุกคนสามารถเล่นบทบาทต่าง ๆ ได้ ไม่ว่าจะเป็นชาย (sheng), ของผู้หญิง (ดังนั้น), การ์ตูน (โจว) หรือนักรบ (ชิง). ในหลายกรณีมีการใช้มาสก์และการแต่งหน้า
ประเพณีของจีนเป็นแรงบันดาลใจให้เกิดรูปแบบที่คล้ายคลึงกันในญี่ปุ่นและประเทศอื่นๆ ในเอเชียตะวันออกเฉียงใต้ ซึ่งเจริญรุ่งเรืองในศตวรรษต่อมา และไม่เป็นที่รู้จักในตะวันตกจนกระทั่งเกือบศตวรรษที่สิบเก้า
ละครพิธีกรรมและโรงละครยุคกลาง
หลังจากการล่มสลายของ จักรวรรดิโรมัน, โรงละครในตะวันตกสูญเสียความนิยมและความเกี่ยวข้องทางศาสนาแบบเก่าไป: นี่เป็นเพราะ ศาสนาคริสต์ ปฏิเสธมรดก คนนอกศาสนา ของ ยุโรป และเขาทำทุกอย่างเท่าที่ทำได้เพื่อแยกตัวเองออกจากประเพณีนั้น อย่างไรก็ตาม ในศตวรรษที่ 10 พิธีสวดของคริสเตียนและการเฉลิมฉลองเทศกาลอีสเตอร์เป็นงานสำคัญในวัฒนธรรมคริสเตียน และดำเนินการด้วยความโอ่อ่าตระการตาและทัศนียภาพอันงดงาม
ดังนั้นใน วัยกลางคน โรงละครพิธีกรรมเกิดขึ้น ซึ่งจำลองฉากที่สำคัญที่สุดของเทพนิยายคริสเตียน เช่น การมาของมารีย์ มักดาลีนที่หลุมฝังศพของพระเยซูคริสต์ ด้วยเหตุนี้จึงเกิดประเพณีอันยาวนานของการแสดงละครคริสเตียนในภายหลัง
ราวๆ ศตวรรษที่สิบเอ็ดและสิบสอง อารามในฝรั่งเศสหลายแห่งเริ่มจัดฉากเรื่องราวในพระคัมภีร์บนแท่นนอกพระวิหาร และยังละทิ้งลัทธิละตินเพื่อใช้ภาษาพื้นถิ่นใกล้ชิดกับผู้คนมากขึ้น การแสดงละครปฐมกาลหรือคัมภีร์ของศาสนาคริสต์หรือชีวิตที่ทรมานของนักบุญเช่นนักบุญอพอลโลเนียหรือนักบุญโดโรเธียเป็นเรื่องปกติ
เมื่อการแสดงละครเหล่านี้มีความซับซ้อนมากขึ้น พวกเขาก็เริ่มจัดแสดงบนขบวนแห่หรือเวทีเคลื่อนที่ เพื่อนำพิธีสวดและเรื่องราวทางศาสนาไปยังมุมต่างๆ ของประเทศ นี้เป็นที่นิยมโดยเฉพาะในสเปนและกลายเป็นที่รู้จักภายใต้ชื่อ รถบูชานั่นคือ ละครของศีลมหาสนิท
เหตุการณ์ที่คล้ายคลึงกันเกิดขึ้นในอังกฤษในขณะนั้น โดยเฉพาะอย่างยิ่งในช่วง Corpus Christiและกลายเป็นรูปแบบโรงละครที่ได้รับความนิยมแพร่หลายไปทั่วยุโรปจนถึงศตวรรษที่ 16
ต่อจากนั้นเป็นต้นมา ผู้คัดค้านหลักของเขาก็ได้ปรากฎขึ้น: พวกโปรเตสแตนต์ที่เคร่งครัดซึ่งประณามอารมณ์ขันที่เด่นและกล้าหาญในการเป็นตัวแทนของเขา และ นักมนุษยนิยม ยุคฟื้นฟูศิลปวิทยาที่เห็นด้วยตาไม่ดีของพวกเขา ความเหลื่อมล้ำ และเชื่อมโยงกับประเพณียุคกลางที่พวกเขาพยายามจะแยกจากกัน
ด้วยเหตุนี้ งานเหล่านี้จำนวนมากจึงถูกห้ามในปารีสและในประเทศของโปรเตสแตนต์ยุโรป ในขณะที่งานเหล่านี้เฟื่องฟูในยุโรปต่อต้านการปฏิรูป โดยเฉพาะอย่างยิ่งในสเปน ผู้เขียนที่ดีของ พิสดาร ชาวสเปนเช่น Lope de Vega (1562-1635), Tirso de Molina (1583-1648) และ Calderón de la Barca (1600-1681) ถือเป็นนักเขียนที่ยิ่งใหญ่ที่สุดของพิธีศีลระลึก
การออกดอกของโรงละครญี่ปุ่น
ในขณะเดียวกัน ในญี่ปุ่นศตวรรษที่ 14 วัฒนธรรมการแสดงก็กำลังตกผลึก ทายาทของการเต้นรำแบบชินโตและพิธีกรรมทางพุทธศาสนาทั้งของตัวเองและคัดลอกมาจากประเทศจีนและประเทศในเอเชียอื่น ๆ โรงละครญี่ปุ่นดำเนินการตามขั้นตอนที่สำคัญที่สุด
นับจากนั้นเป็นต้นมา แนวโน้มสำคัญสามประการได้เริ่มดำเนินการตามขั้นตอนแรก:
- ละครโคลงสั้นอันประณีตของโรงละครโนะและเคียวเก็น
- โรงละครหุ่นเชิดวรรณกรรมบุนระกุ
- ต่อมา โรงละครคาบูกิ การแสดงละครของชนชั้นนายทุน
โรงละคร Noh เกิดขึ้นในเกียวโตราวปี 1374 ภายใต้การปกครองของโชกุนโยชิมิตสึ เริ่มต้นประเพณีที่สำคัญของการอุปถัมภ์การแสดงละครโดยขุนนางศักดินาญี่ปุ่น
ผลงานส่วนใหญ่ในรูปแบบนี้ ซึ่งแสดงด้วยความสง่างามและประณีตอย่างไม่มีขอบเขตโดยนักแสดงชายพร้อมด้วยคณะนักร้องประสานเสียงเล็กๆ ถูกเขียนขึ้นในทศวรรษต่อๆ มาโดย Kanami Motokiyo ลูกชายของเขา Zeami Motokiyo และต่อมาเป็นลูกเขยของยุคหลัง เซ็นจิคุ. มีบทละครใหม่ไม่กี่เรื่องที่เขียนขึ้นสำหรับโรงละครโนตั้งแต่ศตวรรษที่ 15
ด้วยเหตุผลนี้เอง ในศตวรรษที่ 16 การแสดงละครแบบพาโนรามาของญี่ปุ่นจึงลดลงบ้าง ในเรื่องนี้ต้องเพิ่มคำสั่งห้าม 1629 ในการแสดงละครทั้งหมดที่นำแสดงโดยผู้หญิงหลังจากการนำเสนอของนักบวชชินโต O-Kuni ทำให้เกิดความปั่นป่วนในหมู่ประชาชนในเกียวโต
ด้วยเหตุนี้ ในตอนต้นของศตวรรษที่ 17 โรงละครญี่ปุ่นแห่งใหม่จึงปรากฏขึ้นมาเพื่อเติมเต็มช่องว่าง สะท้อนให้เห็นถึงความรู้สึกอ่อนไหวของชนชั้นนายทุนในสมัยนั้น นั่นคือ Kabuki โรงละครคาเฟ่ที่ประสบความสำเร็จ ซึ่งใช้การตั้งค่าที่หรูหราและเครื่องแต่งกายที่วิจิตรบรรจง ซึ่งเป็นผลงานของพวกเขา มาจากประเพณีวรรณกรรมและละครหุ่น
โรงละครเรอเนสซองส์และคอมมีเดียเดลอาร์เต
เช่นเดียวกับที่อื่น ๆ อีกมากมาย ศิลปะ และความรู้ เรเนซองส์ ยุโรปทำเครื่องหมายก่อนและหลังในโรงละครและละคร ผลงานเหล่านี้กลายเป็นเรื่องธรรมชาติมากขึ้น โดยปราศจากภาระผูกพันทางศาสนา และได้ช่วยชีวิตมรดกทางทฤษฎีของอริสโตเติล เช่นเดียวกับตำนานโบราณและสัญลักษณ์คลาสสิก
ชัยชนะของ ชนชั้นนายทุน ในขณะที่ชนชั้นทางสังคมที่โดดเด่นใหม่ได้กำหนดการเปลี่ยนแปลงในความรู้สึกอ่อนไหวในการแสดงละคร และในไม่ช้าก็เกิดประเภทใหม่และรูปแบบใหม่ ๆ ให้เห็น เช่น โรงละครบาโรกของสเปนและโรงละครเอลิซาเบธของอังกฤษ ซึ่งมีชื่อที่ยิ่งใหญ่ตามประเพณีเช่น Miguel de Cervantes และ William เช็คสเปียร์
อย่างไรก็ตาม โรงละครรูปแบบใหม่ที่สำคัญที่สุดคือ Italian Comemedia dell'Arte ซึ่งปรากฏเมื่อราวปี ค.ศ. 1545 เป็นรูปแบบของโรงละครริมถนนและยอดนิยม แต่แสดงโดยนักแสดงมืออาชีพ กลุ่มการแสดงละครหลายกลุ่มกำลังเดินทาง ย้ายจากเมืองหนึ่งไปอีกเมืองหนึ่งและตั้งเวทีชั่วคราว
ที่นั่นพวกเขาเป็นตัวแทนของ ตลก กายภาพ การแสดงละคร และผลงานของตัวเองซึ่ง ตัวอักษร พวกเขาจำได้ง่ายและรวดเร็ว เพราะพวกเขาสวมหน้ากากแบบเดียวกันเสมอ ตัวอย่างเช่น, กางเกง เขาเป็นชายชราที่โอ้อวดและอารมณ์ไม่ดีซึ่งเล่นเรื่องตลกและเล่นแผลง ๆ ในขณะที่ ฮาร์เลกคิโน เป็นคนรับใช้ที่ล้อเล่นและกล้าหาญและ พุลซิเนลลี เขาเป็นผู้เชี่ยวชาญด้านการตีหลังค่อม
นับจากนั้นเป็นต้นมา การแสดงละครรูปแบบใหม่เริ่มเป็นที่นิยมในยุโรปที่ให้ความสำคัญกับการละครมากขึ้นเรื่อยๆ ดิ โศกนาฏกรรม กลายเป็นแนวเพลงที่ได้รับความนิยม เป็นแนวเชื่อมระหว่างหนังตลกกับ โศกนาฏกรรม. โอเปร่าก็ปรากฏตัวขึ้นในศตวรรษที่ 17 และโรงละครที่เรียกว่า "สไตล์อิตาลี" ก็แพร่หลายไปทั่วยุโรป
ในบริบทเดียวกันนี้ โรงละครฝรั่งเศสได้รับความนิยมอย่างมากจากฝีมือของนักเขียนบทละครชื่อดัง เช่น Pierre Corneille (1606-1684) และ Jean Racine (1639-1699) นักเขียนเรื่องโศกนาฏกรรมที่ยิ่งใหญ่ และโดยเฉพาะอย่างยิ่ง Jean-Baptiste Poquelin ดีกว่า รู้จักกันในนาม Molière (1622-1673) นักแสดงและนักเขียนเรื่องตลก เรื่องตลก โศกนาฏกรรม และผลงานที่มีชื่อเสียงโด่งดังที่สุดในภาษาฝรั่งเศสบางส่วน
ทางเข้าสู่ความทันสมัย
การเปลี่ยนแปลงครั้งยิ่งใหญ่ครั้งต่อไปในประเพณีการแสดงละครของตะวันตกมาพร้อมกับ แนวโรแมนติก เยอรมัน โดยเฉพาะ Sturm und Drang ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่สิบแปด
เช่นเดียวกับงานศิลปะอื่นๆ การแสดงละครแนวยวนใจที่เน้นถึงอารมณ์และการแสดงละครที่ขัดต่อหลักเหตุผลนิยมที่เกิดขึ้นพร้อมกับ ภาพประกอบ ภาษาฝรั่งเศส. เขาชอบธีมที่มืดมนและลึกลับ โดยเฉพาะอย่างยิ่งจากวัฒนธรรมสมัยนิยมและคติชนวิทยา
มรดกที่ผู้เขียนทิ้งไว้ เช่น โวล์ฟกัง ฟอน เกอเธ่ (ค.ศ. 1749-1832) และฟรีดริช ชิลเลอร์ (ค.ศ. 1759-1805) ที่มีผลงานละครยอดเยี่ยม เช่น เฟาสท์ หรือ วิลเลียม เทล ในตอนต้นของศตวรรษที่ 19 เป็นแรงบันดาลใจให้เกิด แนวใหม่: ประโลมโลกที่รวมดนตรีเพื่อเน้นอารมณ์ของตัวละคร
จากมือของ ชาตินิยม สไตล์ยุโรป รูปแบบใหม่นี้ติดอยู่ในเกือบทุกประเทศและผลิตผลงานและนักเขียนที่มีชื่อเสียง เช่น Georg Büchner, Victor Hugo, José Zorrilla และอื่นๆ อีกมากมาย
อย่างไรก็ตาม รากฐานของโรงละครสมัยใหม่ พูดอย่างถูกต้อง เกิดขึ้นได้ดีในศตวรรษที่ 19 โดยมีรากฐานของโรงละครที่เหมือนจริง ชัยชนะของเหตุผลนิยมเหนือความโรแมนติก ความสมจริงเน้นย้ำถึงความจำเป็นในการแสดงละครแนวธรรมชาติ: ฉากที่คล้ายกับของจริง การแสดงที่น่าเชื่อถือ และไม่ใช้คำพูดหรือท่าทางที่โอ้อวด
ตามที่คาดไว้ ความสมจริงถือกำเนิดขึ้นในฝรั่งเศส แหล่งกำเนิดของการตรัสรู้อย่างไรก็ตาม ถึงจุดสูงสุดที่แสดงออกในปากกาของนักเขียนชาวนอร์ดิก เช่น นักเขียนชาวสวีเดน ออกัส สตรินเบิร์ก (ค.ศ. 1849-1912) และชาวนอร์เวย์ เฮนริก อิบเซน (1828-1906) หรือแม้แต่นักเขียนเรื่องสั้นชาวรัสเซียชื่อ แอนตัน เชคอฟ (พ.ศ. 2403-ค.ศ. 1860- พ.ศ. 2447)
ศตวรรษที่ 20 และร่วมสมัย
การมาถึงของศตวรรษที่ 20 ที่ปั่นป่วนนำมาซึ่ง กองหน้า, แหล่งต่อเนื่องของ นวัตกรรม เป็นทางการและสุนทรียภาพที่ทำให้เกิดโรงเรียนการละครหลายแห่งในยุโรปและอเมริกา
โดยทั่วไปแล้ว กลุ่มแนวหน้าแสวงหาความรุนแรงและความลึกทางจิตใจในตัวละครของพวกเขามากขึ้น โดยละทิ้งหน่วยอริสโตเติลคลาสสิกสามหน่วยและมักจะโอบรับการบอกเลิกและความเข้มแข็งทางการเมือง นอกจากนี้ ต้องขอบคุณพวกเขา บทบาทของผู้กำกับละครจึงได้รับชื่อเสียงเหนือนักแสดง บทบาทที่เปรียบได้กับผู้กำกับภาพยนตร์
การแสดงละครแนวเปรี้ยวจี๊ดมีมากมายเกินกว่าจะแจกแจงได้อย่างครบถ้วน แต่ก็ควรค่าแก่การสังเกต การแสดงออก, "โรงละครมหากาพย์" ของ Bertoldt Brecht โรงละครแห่งความไร้สาระที่เชื่อมโยงกับปรัชญาของ อัตถิภาวนิยม และผลงานของ Antonin Artaud, Eugène Ionesco และ Samuel Beckett
นอกจากนี้ ความไม่สอดคล้องและความรู้สึกต่อต้านชนชั้นนายทุนของ ชายหนุ่มโกรธ: ฮาโรลด์ พินเตอร์, จอห์น ออสบอร์น และ อาร์โนลด์ เวสเกอร์ ชื่อที่ยอดเยี่ยมอื่น ๆ ในยุคนั้น ได้แก่ Luigi Pirandello, Alfred Jarry, Arthur Miller, Federico García Lorca, Ramón de Valle Inclán และอื่น ๆ
ตั้งแต่ปี 1960 โรงละครร่วมสมัยได้พยายามเชื่อมโยงกับอารมณ์ของผู้ชมอีกครั้ง โดยย้ายออกจากโรงละครที่ยิ่งใหญ่และข้อความทางการเมือง มีหลายแง่มุมของการแสดงละครที่พยายามจะแยกตัวออกจากเวทีและนำโรงละครไปที่ถนน หรือรวมคนทั่วไปขึ้นบนเวที หรือแม้แต่หันไปใช้ เกิดขึ้น หรือละครสถานการณ์ชั่วคราวในชีวิตจริง